Cinema Mentira

Mudança

2010-02-12T11:38:00.001-08:00

Olá
Nos mudamos para http://cinemamentira.wordpress.com
Lá você encontrará as mesmas postagens que aqui estão e a continuidade do nosso blog, e além disso posts do nosso novo colaborador Dainsu (Thiago).

=)

Abraços.

A Influência das Artes Plásticas na contrução estética dos filmes de Takeshi Kitano

2009-12-19T14:13:00.001-08:00

(Elab orado para a disciplina de Teoria da Imagem e do Som do curso de Cinema e Audiovisual)

(Quadro pintado por Kitano em Hana-bi)

(frame do filme Dolls)

Para a análise do cinema como arte, ou mais ainda, da influência das artes plásticas no cinema, consideramos a necessidade de se falar de um cinema ainda pouco disseminado, o cinema japonês, de importância tamanha para a história do cinema; e no campo das artes, importante para a arte como um todo. Para tanto, nos decidimos pelo diretor japonês Takeshi Kitano, que ingressou na carreira artística como ator e que também pratica a pintura em tela. Os filmes analisados foram “Hana-Bi: Fogos de Artifício” (1997) e “Dolls” (2002). Através da análise desses filmes vamos traçar os paralelos das influências artístico-plásticas contemporâneas.

Hana-Bi e Dolls

Kitano em Hana-Bi, contrasta a vida de um cara durão, interpretado por ele mesmo, com as pequenas doçuras e sutilezas da vida, como ouvir o som do mar e passear com sua mulher muda na praia. Aqui as Artes Plásticas são usadas para mostrar passagens de tempo e estado de espírito, e foram pintadas pelo próprio Kitano e posicionadas em pontos e tempos estratégicos do cenário e do filme. Suas telas representam seu ponto de vista sobre determinadas “cenas” de sua vida no passado. Nesse caso podemos comparar a função da tela como a de um flash back.

Como Sergei Eisenstein diz em seu livro O Sentido do Filme, as linhas, traços e cores estão sempre em diálogo com “algo”:

“Quando falamos de “tonalidade interior” e “harmonia interna de linha, forma e cor”, temos em mente uma harmonia com algo, uma correspondência com algo. A tonalidade interna deve contribuir para o significado de um sentimento interno. Por mais vago que seja este sentimento ele avança sempre em direção a algo concreto, encontra sua expressão externa em cores, linhas e formas.” Eisenstein. 1947, p. 77.

Quando Eisenstein discorre sobre isso ele faz referência direta a Kandinsky, um artista plástico francês com amplo estudo teórico e plástico sobre as cores. De fato esta “tonalidade interior” faz sim referência a “algo”, e isso em Hana-Bi se faz presente na utilização de quadros como foco dramático. Mas em Dolls, por sua vez, a cor é praticamente tudo e não só o “algo”, e o avanço em direção a este “algo concreto” tem sua conclusão ao fim. Durante todo filme Dolls existe um avanço de sentido e dramaticidade em busca da plenitude do sentido e da plástica.

Dolls é difícil de exprimir, pois qualquer afirmação pode parecer cabível, mas em segunda análise pode se desfazer como pó nas mãos. Este é um risco que corremos ao tentar analisar um filme denso como este, extremamente conceitual, cheio de alegorias, significação, representação e referência teatral e plástica. Talvez por esse viés possamos ser mais bem sucedidos.

O filme começa com uma situação típica no Japão clássico, o teatro de bonecos Bunraku. Nestas cenas os personagens que coordenam o Bunraku dão vida para cada uma das partes dos bonecos, os pés, as mãos e a voz, e cada um, juntos como em uma dança, executa sua função. Podemos considerar essa dança como uma alegoria do filme por completo, pois ao final o casal protagonista se transforma nos bonecos, executando os mesmo movimentos e vestindo a mesma roupa.

O que mais nos toma e nos briga a falar da influência da pintura neste filme são os enquadramentos que se mantêm passivos, como meros quadros, apenas dando vazão a algo mais profundo. Em diversas vezes estes enquadramentos são mudos, acompanhados apenas pela minimalista música. O olhar dos personagens é imutável, se mantendo o mesmo por todo o filme. Vejo os personagens e os pontuo como “quadros ambulantes”, personagens estáticos assim como a pintura.

Uma questão que nos intriga é a utilização das cores, em especial do vermelho e amarelo, que explode todos os cantos da tela, principalmente na estação do Outono, que é seu ápice. É sabido que Vincent Van Gogh sofreu influência direta das artes japonesas, e isso pode ser observado em sua obra, onde o vermelho, quando presente, não se mistura a mais nenhuma cor, se mantendo único e soberano e o amarelo é a cor base de todos os seus quadros. E Eisenstein, dando voz a Van Gogh, escreve em seu livro: “... em vez de tentar reproduzir exatamente o que tenho diante dos meus olhos, uso a cor arbitrariamente, de modo a expressar a mim mesmo arbitrariamente.” (EISENSTEIN, 1947, p. 86). Contudo, percebe-se um tom onírico na afirmação de Van Gogh, e isso se confirma em seus quadros. Esse tom onírico também se transporta para a utilização dos elementos da Direção de Arte e Fotografia nos filmes de Takeshi Kitano.

Dessa forma podemos perceber um diálogo direto do cinema com as artes plásticas, e do ocidente com o oriente, visto que Van Gogh foi um dos propulsores impressionistas, bebendo diretamente da fonte oriental.

Outro diálogo que podemos estabelecer de Dolls com a arte é a utilização da Fotografia e Arte onírica, e dessa forma podemos suscitar conceitos surrealistas para tal afirmativa. Sendo assim, a fim de embasar essa questão buscamos novamente em Eisenstein através do seu livro O Sentido do Filme. Em determinado momento, ainda relacionado ao trabalho de Kandinsky, ele diz: “O método usado aqui é claro – abstrair ‘tonalidades internas’ de qualquer matéria ‘externa’.” (EISENSTEIN, 1947, p. 79).

Trazendo isso para nosso trabalho, faz parecer que Eisenstein escreveu esta frase para o próprio Dolls. E acho que ela resume toda a densidade intrínseca dessa obra, que assim como o surrealismo abstrai o sentido interno das interpretações que estão por fora. Sabemos que esta afirmativa nos dá uma rasteira – como se mesmo escrevendo ad infinitum não pudéssemos apreender a extensão de tudo em palavras – mas não poderíamos deixar passar despercebida, pois mesmo sendo derrubados conseguimos levantar o sentido e chegar à cerne da questão dos filmes de Takeshi Kitano.

Chungking Express - Wong Kar-Wai (Análise Fotográfica)

2009-11-03T11:54:00.000-08:00

(Trabalho desenvolvido para a disciplina de Direção de Fotografia)

Chungking Express – Wong Kar-Wai

Análise Fotográfica

Ficha Técnica

Titulo: Chung Hing Sam Lam (Chungking Express )

Duração: 98 min.

Ano: 1994

Diretor: Wong Kar-Wai

Direção de Fotografia: Christopher Doyle e Keung Lau Wai

Diretor de Arte: Weiming Qiu

Produção: Chan Yi-Kan

Música: Frankie Chan, Michael Galasso, Roel A. García

Montagem: William Chang, Kai Kit-wai, Kwong Chi-Leung

Cenografia: William Chang

Figurino: William Chang

Efeitos Especiais: Weijue Deng, Yunda Ding, Xiaolong Cheng

Atores Principais: Brigitte Lin, Tony Leung Chiu Wai, Faye Wong, Takeshi Kaneshiro

Som: Dolby Stereo 2.0

Imagem: 1.85:1

Neste filme, o diretor Wong Kar-Wai trabalha com seu diretor de fotografia favorito, Christopher Doyle, e também com o fotógrafo Keung Lau Wai. Talvez seja por isso que essa obra seja tão perfeita, complexa e completa, com um preciosismo tamanho que a torna impecável em termos estéticos, sendo, pelo menos para mim, a melhor de Wong Kar-Wai.

O filme Chungking Express trata de duas histórias paralelas, que acontecem quase ao mesmo tempo, e que de alguma forma, sutilmente, se encontram. São histórias de vidas que vagueiam pela cidade, assim como em My Blueberry Nights. Mas aqui, em Chungking Express, as histórias são de amores razos, rápidos, assim como o nome diz, “amores expressos”.

Esse filme carrega a poética, tão bem formulada, da mistura das pessoas com os elementos da cidade. As sombras da fotografia consomem os personagem, os borram, moldam suas silhuetas, escondem e ocultam, e mostram quando deve. Neste filme eu sinto a explosão da estética de Wong Kar-Wai, um relicário de todas as suas marcas mais profundas, resumidas na estética, na arte e na fotografia.

Diretores de Fotografia

Christopher Doyle já trabalhou com Wong Kar-Wai em diversos outros filmes como Fallen Angels, Ashes Of The Time, 2046, dentre outros. A sua marca na maioria dos filmes, visto em outros filmes em que trabalhou (Hero, Psycho, etc.), é com certeza a utilização e mistura de cores fortes, contrastes e saturação de imagens.

Keung Lau Wai também já trabalhou em alguns dos filmes de Wong Kar-Wai e também dirigiu vários longas. Assim como Christopher Doyle, ele também tem uma influência muito forte no trabalho com as cores.

A Profundidade de Campo como Icógnita

Quando vejo os contrastes estéticos dos filmes de Wong Kar-Wai sinto um certo tom de ironia – ou talvez melhor, uma metáfora – em relação à vida. Como se a cidade estivesse sempre cheia, sempre misteriosa, e nós completamente vazios, à mercê de algo que pode surgir por entre as sombras. Em diversas cenas é assim, o silêncio e o escuro são convidativos, e demonstram a imensidão e dimensão dos cenários, sempre com algo “por de trás”, mas que não podemos enxergar. E nada mais poderia caber tão perfeitamente, pois em Chungking Express assim como percebemos a solidão das sombras também sentimos a solidão dos personagens – caracterizados por pessoas perdidas pelas cidades, em busca do que perderam ou do que almejam – e tudo isso se assemelha com as sombras que nos dão a impressão da imensidão e por conseqüência da perdição, pois são nas sombras que os personagens se perdem. Mas em contraponto o filme possuí também cenas com fotografia naturalista, demonstrando os momentos de neutralidade e calmaria pelos quais os personagens passam.

Diversidade de Elementos de Cena

É neste filme que o diretor Wong Kar-Wai mais trabalha com elementos e objetos narrativos e contextualizadores. Junto com a fotografia, a arte trabalha a contraposição de cores frias e quentes o tempo inteiro. Neste filme vemos uma mistura étnica devido aos diversos tons que ele assume: elementos hindus, norte-americanos, europeus, japoneses e chineses. Alguns cenários beiram o kitsch, pois assim como as sombras nos dão a impressão de imensidão, o exagero dos elementos – o próprio kitsch – nos trazem a sensação de aperto, de um local cheio de memórias que nos sufoca. Isso acontece principalmente com a casa do policial 633, que é uma mistura estranha de lembranças, coisas, adornos e cores. Claro que esses elementos não seriam nada, e nem nos passaria a impressão que passam sem a fotografia adequada. Ao imaginar como aquela casa seria sem a iluminação que lhe foi empregada vejo que seria uma casa como qualquer outra, uma casa simples. Mas para a tensão do filme, – e como já disse anteriormente – a sensação de sufoco, se torna necessário a invasão e variação fotográfica, utilizando sombras e luz o tempo inteiro, nos afirmando ainda mais todas as sensações.

Poética dos Espelhos

A utilização de espelhos, em todos os filmes, e nesse mais que todos os outros, como na cena, de Chungking Express, em que Faye limpa a vidraça da loja, e na mesma direção está o policial 633. Ela alisa a vidraça como se desenhasse o corpo dele, mas neste momento ele ainda está distante dos sentimentos dela.

Velocidade e Borrão

Nas cenas de perseguição e grande movimentação dos personagens e câmeras, a direção de fotografia deixa a imagem borrar e tremer ao extremo, sofrendo cortes abruptos e cortes na continuidade da imagem. Dessa forma a gente tem a impressão de maior velocidade da cena, e os borrões nos impedem de perceber detalhes, nos focando apenas na essência da cena, e fazendo ainda mais os personagens se misturarem com o ambiente que permanece borrado.

Prêmios

O filme Chungking Express foi indicado ao Prêmio de Cinema de Hong Kong com a melhor fotografia de Christopher Doyle e Keung Lau Wai, além de ter ganho como melhor filme, melhor diretor, melhor ator e melhor montagem, dentre outros.

Antichrist - Lars Von Trier

2009-09-17T19:36:00.000-07:00

Bem, tirando as teias de aranha com um filme denso, depois de uma longuíssima pausa.
Trata-se de terror psicológico, subjetivo, reflexivo. Caminha pelas veia da loucura humana fazendo referências bíblicas e religiosas. Considerado herege mas um tanto quanto pacífico demais. A personagem principal, vive na carne viva, explosiva, langue. Após ter perdido o filho num duro acidente, entra em profunda depressão.

Cortes no eixo em algumas vezes, mas a maioria dos planos são clássicos, imperceptíveis. O investimento maior com certeza foi plástico. Que plasticidade absurda! Não vou dizer sublime por trata de um tema extremamente sujo, mas uma plasticidade gritante, rica, onírica. Nos transporta para dentro de um universo em confusão, em conflito com questões sentimentais. As imagens nos confundem ao ponto de nos fazer enlouquecer também.

Um filme de terror inovador, quase surreal. Acho que não tenho mais nada a dizer sobre ele. Se puder, assistam, reassistam, reflitam.

Charlie Kaufman, Jean Epstein e Alejandro González - Tempo, espaço e linearidade.

2009-06-24T07:07:00.000-07:00

OU Como ignorar o conceito de tempo, de espaço e linearidade.

(Charlie Kaufman)

Certa dos riscos que corro ao descorrer sobre a questão, arrisco-me (em certo deleite) na árdua tarefa de expor o que absolvi desses diretores e roteiristas peculiares, porém com pontos que se encontram. Como todo risco que me disponho a correr - cinematográficamente - esse é talvez um dos mais saborosos e excitantes, pois Kaufman e Alejandro sem dúvida - quam sabe bebendo, ambos, da onda impressionista francesa, onde se encontra Epstein - esquecem completamente o que siginifica continuidade, no sentido clássico, tornando seus filmes inteligíveis apenas em nossa consciência, como se deixassem para nós a tarefa da "montagem" e o sentido dos elementos de continuidade.

(Jean Epstein)

Dizer que não existe racord nos filmes dos três cineastas é quase uma heresia, pois podem não estar aglutinados sequencialmente mas se encontram na louca montagem descontinua dos filmes. Jean Epstein, o mais "careta" dentre eles, talvez pela idade, não abandona completamente a montagem clássica, apenas inveztindo descontinuidade nos elementos poéticos que tangem o sentido do filme. Já os outros dois, nossos contemporâneos, investem completamente em uma ordem desordenadamente montada. Um raccord de lembrança que está presente em nosso consciente atento ao filme.

(Alejandro González)

São sem dúvida três cineastas diferentíssimos, ainda mais no que diz respeito à temática e poética. Mas para os mesmos, sem dúvida, o tempo é construido cinematográficamente da forma que queremos. Assim como pode ser construído por nosso intelecto. O espaço é o que queremos que seja de acordo com a nossa demanda de tempo, e a linearidade nem sempre é possível e nem sempre é bem vinda.

Filmes recomendados:
A Queda da Casa de Usher - Jean Epstein (direção)
Adaptação - Charlie Kaufman (roteiro)
Sinédoque - Charlie Kaufman (direção)
Quero ser John Malkovich - Charlie Kaufman (roteiro)
Amores Brutos - Alejandro González (direção)
Babel - Alejandro González (direção)
21 Gramas - Alejandro González (direção)

Melhores Filmes da Década - Revista Paste

2009-06-17T09:37:00.000-07:00

A revista americana Paste publicou nesta semana uma lista dos 25 melhores filmes da década. Claro que em uma análise DELES. Você pode conferir a lista no link aqui.

O curioso é o filme Cidade de Deus, que saiu em 4º lugar, habitar acima de Fale com Ela que ficou em 5º. Nada contra Cidade de Deus, gosto muito desse filme, mas é um desatino colocá-lo acima de uma das obras mais sensíveis e tocantes do cinema - e particularmente a minha favorita do Almodóvar. Podem me contrargumentar dizendo que, além de ser uma obra brasileira, Cidade de Deus é um retratro nacional de algo que realmente aconteceu, e que diferente de todas as coisas feitas até hoje no Brasil, é um dos poucos filmes que não são de entretenimento e fazem sucesso. Mas nada vai me tirar da cabeça o quanto a trama de Fale com Ela me inquieta - ainda mais por se tratar de uma ficção. Pode soar extremamente particular - até porque Almodóvar é uma viagem pra poucos passageiros - mas Fale com Ela sem dúvida alguma, independente de todos os ridículos retratos psicanalíticos que fazem sobre ele, é um filme que subverte toda a estrutura humana que posiciona a mulher. Fale com Ela nada mais é que um deslocamento do sujeito humano, e isso não é apenas nacional como Cidade de Deus, mas universal.

Bom, é dificilimo analisar dois filmes completamente distintos, e pra que essa tarefa se torne mais fácil a gente costuma jogar para o lado pessoal. E reafirmo, Fale com Ela toca fundo em mim.

Entretanto, para completar o desatino da Paste, Tigre e o Dragão e Labirinto do Fauno foram nomeados para 2º e 1º lugar, respectivamente. Gente, convenhamos que Labirinto do Fauno só é extraordinário para crianças, e Tigre e o Dragão só impressiona minha avózinha.

Daí pode-se concluir o nível de entendimento e envolvimento cinematográfico da tal revistinha. Qualquer revista de Cinema que se preze - ou qualquer outra revista que queira ser levada a sério - não analisaria filmes julgando-os pelos milhões gastos em sua produção ou pelo número de público gerado.

fonte da balela: http://band.com.br/conteudo.asp?ID=149997

Quero Ser John Malkovich - Spike Jonze

2009-05-09T19:02:00.000-07:00

Being John Malkovich (1999)

Craig é um titereiro - aquele que lida com fantoches - e é casado com Lotte, e pelo não reconhecimento de seu enorme talento é obrigado a procurar um trabalho. Consegue vaga de arquivador no andar 7 1/2 de um prédio, onde todos têm de andar inclinados pois o teto é baixo. Lá ele se encanta por Maxine, que não lhe dá bola, e descobre uma porta secreta que dá para dentro do corpo de John Malkovich. Ele e Maxine começam a vender entradas para o corpo de ator.

Sinteticamente e pulando todo o complexo andamento da história, o que posso dizer de mais relevante sobre o filme é em relação às diversas pessoas que transitam pelo corpo de Malkovich. Vejo isso como uma simbologia de contato. Os "passageiros" de Malkovich têm contato com o mundo através de seu corpo. Alguém imagina como é olhar o mundo de dentro de outra pessoa?

Nesse momento você é dois. Seu ser metafísico e o corpo da outra pessoa. Mas se você está em outro, como pode você ainda ser você por completo? Será que ainda teríamos consciência do que somos nós mesmos? E mais, o que você pode abandonar sem deixar de ser você mesmo? E o que você pode acrescenter de outra pessoa em você sem perder sua identidade?

Bom, sei lá como responder a essas perguntas. Mas a questão é que Charlie Kaufman, roteirista do filme, frita o cérebro de qualquer pessoa.

Departures - Yôjirô Takita

2009-05-05T05:13:00.000-07:00

Departures (Okuribito) - 2008
Yôjirô Takita

Daigo, se vê levado pelas mãos do destino quando, após perder seu emprego como violoncelista, é obrigado a voltar para sua cidade natal interiorana com a esposa. Lá ele consegue um emprego de embalsamador, mas por vergonha mente para a mulher sobre o cargo, apesar do salário alto.

Graças ao emprego sua visão sobre a vida e a morte se transforma, colocando-o em diálogo com as coisas íntrinsecas da vida, pelo seu contato direto com pessoas falecidas.

Seu violoncelo passa agora a ser um hobby solitário mas que dá ritmo aos momentos de sua vida e lhe trás lembranças. O som do violoncelo se torna parte do tempo diegético e também assume papel de "personagem" pois faz parte da vida de Daigo. Não é apenas uma trilha sonora, é o som da vida de Daigo tocado pelas suas próprias mãos.

O contato com a morte se revela extremamente importante quando Daigo é avisado da morte do pai que ele não via desde os 3 anos de idade. Com as próprias mãos embalsama seu progenitor. Ele conhece o pai apenas depois de morto, mas isso já não é problema, a morte já lhe é familiar e natural.

Aquiles e a Tartaruga - Takeshi Kitano

2009-05-02T20:54:00.001-07:00

Aquiles and the Tortoise (Akiresu To Kame) - 2008
(ou Diálogo com as Artes Plásticas II.)

Bem, ultimamente estou um tanto viciada com a graça de Kitano. Recentemente assisti
Aquiles e a Tartaruga, que carrega um tom um tanto pessimista mas bem humorado baseado
no paradoxo de Zenão. Para quem não conhece o paradoxo clique aqui. Dessa conclusão
emanauma visão pessimista sobre não alcançar as coisas que se deseja mesmo mantendo
um esforço contínuo.

O filme também revela uma saborosa e audaciosa crítica à "contemporaneização" das artes.
Mostrando como o sentido íntrinseco que flui naturalmente das expressões pessoais perdeu
espaço para a necessidade do novo, diferente, inusitado, nunca feito, etc, que temos visto
no modo do fazer artístico atual. O ator principal feito pelo próprio Takeshi Kitano, Machisu
Kuramochi, é um artista plástico frustrado que passa toda sua vida tentando vender um
quadro sequer. Através desse desejo ele é moldado pela nova visão de arte da sociedade -
representada pela faculdade de artes que frequenta e pelos críticos de arte modernos. Essas
figuras, supostamente representativas no mundo da arte exigem a busca da inovação.
Seguindo esse requisito para se tornar um grande artista tudo que ele consegue é perder sua
pureza artística natural que fluia magnificamente quando era criança. Ao final da história ele é
apenas mais um artítita frustrado com sua condição.

Além dessa crítica o filme também revela uma conclusão mais sublime sobre a condição
humana.Por trás de todas as ilusões e fugas da realidade, representadas no filme pela arte,
Machisu é sempre apoiado por sua esposa, que apesar de tudo sempre o ajuda com suas
maluquices plásticas. É no fim, quando nada mais lhe resta que ele percebe que a única coisa
que lhe sobrou foi sua esposa.

Novamente meu adorável Kitano dialogando com as artes plásticas!
Mais para frente realizo um posto dedicado apenas a Kitano e suas hobridizações
cinematográficas, que recentemente descobri, vão além das que citei.

O Menino do Pijama Listrado - Mark Herman

2009-04-27T06:26:00.000-07:00

The Boy Striped Pyjamas (2008)

Baseado no livro no livro de John Boyne, e roteirizado e dirigido por Mark Herman.

Bruno é filho de um soldado nazista e, junto com sua família, deixa sua casa em função do trabalho do pai. Toda a família se muda para o campo, e de alguma forma os pais acreditam estar protegendo os filhos de tomar conhecimento dos horrores do holocausto. Mas Bruno é um garotinho curioso, que adora explorar coisas novas e está agora atrás de amigos.

Com suas fugídias brincadeiras, Bruno descobre um caminho pela mata ao redor de sua residência, e chega na cerca de um campo de concentração. Lá ele conhece Shmuel, um garotinho judeu que está preso no campo e eles se tornam amigos.

Bruno desconhece o que acontece com Shmuel, acha que é um lugar onde as crianças brincam juntas e sente uma pontinha de inveja por estar sozinho do outro lado. Através de sua inocência somos conduzidos lentamente pela realidade do outro lado da cerca, e dessa forma o sofrimento pelo qual os judeus passaram nos parece ainda mais horrendo.

O ápice do filme é a cena final, na qual Shmul leva um uniforme do campo para Bruno vestir e entrar para ajudá-lo a procurar pelo pai que estava sumido. Inocentemente Bruno se veste e entra. Por coincidência nesse mesmo dia estão levando um grupo de judeus para serem mortos na camara de gás. Ao procurarem pelo pai de Shmul no meio dessas pessoas eles acabam sendo levados juntos para morrer.
Ao mesmo tempo que isso acontece a mãe de Bruno está a sua procura e descobre que ele havia saido pelos fundos caminhando pela mata. Ela avisa a seu pai, o soldado nazista, e ele move seus homens a procura do filho. Correndo eles chegam na cerca onde Bruno havia trocado de roupa e encontram seus pertences. O pai entra correndo pleo portão e revista frenéticamente os galpões. E por fim ele se depara com um galpão vazio e milhares de roupas listradas penduradas. Sua cara de horror explica tudo.

É como se naquele momento o que o holocausto representa, no pior sentido que pode existir, fizesse sentido pra eles.
Entendo como dizem por aí: a dor só dói quando é na gente.

A Scene At The Sea - Takeshi Kitano

2009-04-16T11:07:00.000-07:00

Ano natsu, ichiban shizukana umi (1991)

Sim, novamente Kitano preenchendo as páginas desse humilde blog. E não por menos, pois ele tem um lugar merecido na poesia fílmica e no meu coração.

Em A Scene At The Sea, Kitano conta a estória de um relacionamento amoroso entre dois jovens surdo-mudos, Shigeru e Takako. Devido a isso o filme adquiri um tom bem silencioso, se retendo a sons naturais e pouca trilha sonora.

O namoro dos dois é bem estável, mas isso se reverte quando Shigeru começa a surfar e dedicar seu tempo a isso despertando ciúmes em Takako. A garota se sente trocada pelo exercício diário de seu namorado.
Sinto que Shigeru cultiva um amor pelo surf por causa do som da água, das ondas batendo na areia... Como se ali ele descontasse todo o silêncio que seu relacionamento lhe traz... Digo isso pois o som do mar é sempre mais forte que todo os outros sons do filme, - como se ele tivesse voz própria - e apesar dos inúmeros afogamentos e tombos que Shigeru sofre ele sempre volta no dia seguinte.

Apesar do seu amor pelo mar, Shigeru não deixa de gostar de Takako. Isso se comprova quando ele a procura em sua casa, pois ela não foi ao local onde os dois se encontram toda manhã para ir à praia. Nessa cena acontece uma briga, mas uma briga silenciosa. Não há gritos, não há palavras ásperas. Há apenas um ar pesado e nada mais. E é incrível como os dois se entendem apenas com olhares, gestos... Não precisam de palavras, e creio eu que não as usariam se pudessem.

Só mesmo Kitano pra narrar uma história onde os protagonistas não têm diálogo.
E fazer dessa história uma das mais belas da história do cinema.

Akira Kurosawa, Takeshi Kitano e as Artes Plásticas.

2009-04-14T13:31:00.001-07:00

Como uma fiel apaixonada pelo cinema oriental e pelas artes plásticas, não poderia deixar passar em branco suas associações doces e perfeitas. Escolhi Akira e Kitano que nos narram fragmentos poéticos através de quadros belíssimos.

(frame: Van Gogh)

Akira Kurosawa na sua obra The Dreams permiti-nos passear pelo universo do amarelo ouro de Van Gogh. Levando o tempo real fílmico para o universo onírico dos quadros (tem tudo a ver já que o filme chama "Sonhos"), nós enquanto espectadores "conquistamos" e caminhamos pelos contrastes das calmas e das revoltosas paisagens, e encontramos até o próprio Van Gogh enlouquecido a pintar. É através da imaginação de um visitante a um museu que toda essa constituição magnífica se torna possível, e nesse momento nos tornamos sonhadores também.

Abaixo a cena completa dos quadros.

.

Kitano por sua vez, em Hana-Bi: Fogos de Artifício, contrasta a vida de um cara durão (representado por ele mesmo) com as pequenas doçuras e sutilezas da vida, como ouvir o som do mar. Aqui as artes plásticas são usadas para mostrar passagens de tempo e estado de espírito, e foram pintadas pelo próprio Kitano. Particularmente um dos meus filmes favoritos, Hana-Bi tem o tremor mais ardente sendo segurado pelas pétalas finas de uma flor. É a maestria de apresentar conflitos com beleza, fazendo com que tais conflitos se tornem pequenos diante da poética fílmica. Ah, Kitano, sempre Kitano.

Quadros de Takeshi Kitano

4º FELCO Bh - Festival Latino Americano da Classe Obreira

2009-04-09T11:35:00.000-07:00

de 08 a 12 de Abril - Palácio das Artes, Cine Humberto Mauro.
programação

Então, curti essa mostra no ano passado e voltei pra conferir esse ano também.
A 4a. edição apresenta o tema Memórias do Subdesenvolvimento.

.
Cinema de Quebrada | Rose Satiko, Brasil, 2008, 47’

Sobre jovens paulistas moradores de periferia que produzem diversos filmes na raça, sem grana e sem incentivo, e além disso promovem exibições públicas para a população dos subúrbios. Exemplos que mostram que o cinema não é só pra burguesia que tem grana pra bancar. Depois dessa fiquei ainda mais animada pra continuar estudando cinema!

A mostra termina nesse domingo. Ainda dá tempo de passar lá e dar uma espiadinha =).

Lua de Fel (Bitter Moon) - Roman Polanski

2009-04-09T05:50:00.000-07:00

FR 1992, 139:36 Colorido.
Ficha Técnica

Aaah, Lua de Fel! Sádico, emocionante, impactante, excitante... Poderia ficar descorrendo ajetivos durante horas sobre essa obra. Mas bem, decidi começar por ele porquê foi o último que assisti esta semana, e além disso, um dos filmes que mais me incomodou - no bom sentido.

Fiona e Nigel, casados, estão em um cruzeiro para a Índia e conhecem Mimi a bordo. Nigel se sente atraído pela moça, mas ela não dá bola. Em seguida Oscar, marido paraplégico de Mimi, vai até Nigel e se apresenta. Como em um jogo, a condição para Nigel possuir a moça é escutar de seu marido toda a história amorosa esdruxula do casal.

Temos acesso a esta história apenas pela narração de Oscar, como uma fuga na diegese do filme. Há momentos que, de tão presos à história, nos esquecemos do tempo real. A história é a seguinte: Oscar e Mimi se conhecem em um metrô e desde então começam a se amar loucamente - daquele tipo de casal que só sai da cama pra comer. Desde o sexo convencional à prática escatológica (vide cena que ele relata ter bebido da urina de Mimi, e cena que ele limpa com a boca os seios lambuzados de leite da amada). Um casal intenso e enérgico. Mas em um certo momento na vida dos dois, Mimi após um ataque de ciúmes, desperta em Oscar um sentimento de asco que cresce ao decorrer do tempo fílmico. Ao perceber isso, Mimi, antes em posição dominadora passa para um degrau submisso onde se joga aos pés de Oscar para não perdê-lo.

(frame: dança erótica de Mimi)

Inicialmente fiquei intrigada com a história contada por Oscar. Como uma figura tão 'doce '- uma ninfa sensual e fascinante, com toda sua natureza dançante de fêmea dominadora - se transforma na quase "mulher fatal", de personalidade marcante e de tom extremamente arrogante e sádico com o qual Nigel se deparou? Certamente, o contraponto do "tempo recordado" - que é narrado por Oscar - e do "tempo presente" do filme, constroem imagens opostas sobre Mimi. Mas isso se explica quando passamos a conhecer a complexa história do casal.

Quando Mimi se torna submissa, Oscar friamente decide acabar com ela. Sai com outras mulheres, a faz de empregada e a horroriza na frente de terceiros., tudo isso porque deseja que fosse embora e ela recusava. Mimi desolada emagrece, fica pálida, e toda sua beleza aos poucos desce pelo ralo. Em seu rosto está estampado toda a amargura de alguém que sofre. No ápice dessa amargura, Mimi descobre que está grávida, e Oscar a faz abortar. Enquanto ela ainda está no hospital Oscar propõe uma viagem, parecendo querer se redimir, mas a deixa embarcar sozinha e foge. Feliz com o que fez ele passa a viver sozinho e mantém uma vida luxuriosa, com bebedeiras e muitas mulheres. Mas dois anos depois sofre um acidente, e no hospital, onde permanece sozinho, recebe uma visita inesperada. Era Mimi - muito mais mulher, madura e decidida. Nessa visita sua postura é visivelmente superior ao estado atual de Oscar. Por vingança ela o joga de cima da maca, fazendo com que ele se machuque seriamente e fique paraplégico. Sem ter ninguém para olhar por ele, Mimi passa a servir de babá. É a partir daí que a vida de Oscar vira um verdadeiro inferno.

O vingança de Mimi faz com que o espectador matenha um sorrizinho no rosto. E o estranhamento inicial que a gente tem sobre o passado e o presente de Mimi, começa a se esclarecer com esse acontecimento. A submissão foi a ponte entre o "ninfetismo" e a dominação, e agora Oscar está na posição de dominado, tanto por Mimi quanto por sua cadeira de rodas que o deixa a mercê das vontades de sua odiada.

Voltando ao tempo real fílmico, nesses momentos finais da história, Nigel o ouvinte, já está completamente envolvido por seu objeto de desejo que é Mimi. A moral que controla suas falas é atacada nervosamente pela excitação que ele tenta conter. A esta altura está confuso e já nem se lembra de sua esposa que agora está na companhia de terceiros.

O desfecho do filme se dá na festa de ano novo que acontece no cruzeiro. Nigel tenta seduzir definitivamente Mimi, que cinicamente se insunua. Mas ao perceber que sua mulher Fiona está obervando, tenta desfarçar se aproximando e forjando um sorriso galente. Inesplicavelmente Fiona se levanta ignorando a aproximação de Nigel, caminha até a pista de dança onde se encontra Mimi, e as duas começam a dançar juntas, se beijam e saem correndo do local. Nigel está estático, sem entender nada! Oscar ri como um psicopata, além de não ligar, acho o máximo - isso confirma a personalidade fetichista mais forte do filme.

Um tempo depois Nigel, mais calmo, começa a procurar sua esposa pelos aposentados do navio e encontra as duas garotas nuas e deitadas lado a lado em uma cama. Oscar ao lado observava-as dormir, e ao ver Nigel entrar faz comentários ácidos, do tipo "não são lindas juntas?". Ele pouco se importa com a situação, toda a história com Mimi o transformou em um ser que com nada se abate. Nigel esbraveja e Oscar lhe aponta uma arma. Esse é o fim, mas não de Nigel. Oscar dá dois tiros em Mimi e depois explode sua própria cabeça. (final Deus Ex Machina). O casal sobrevivente se abraça e chora pelo ano mal começado. Estranha forma de se unirem novamente, não?

O que mais me chama atenção no filme é a natureza fetichista e sádica que todos os personagens afloram em determinadas situações. Todos tem, e realizam, desejos inusitados que atingem diretamente o olhar do que estão involvidos na trama - e do espectador - numa especie de vouyerismo, onde se deliciam - e nós também nos deliciamos - nas ações dos que estão sendo vistos. Mimi navega por todas as relações e é uma espécie de pivo para os fetiches dos outros. Primeiro sua relação com Oscar, explorada de cabo a rabo. Em segundo Nigel, com joguinhos e provocações sem rendimento. E em terceiro Fiona - oh, Fiona - explorando um relacionamento lésbico relâmpago, que dentre todos o mais importante, pois serviu de objeto de vingança para ambas as garotas.

Enfim, um filme complexo - que me atrevi a mal comentar. Vale a pena (DEMAIS!) ver e tirar suas próprias conclusões.

Curtas 2º Semestre

2009-02-04T06:37:00.000-08:00

TECHNOLOGY: CONNECTING PEOPLE
(Curta sobre tecnologia. Mais precisamente uma crítica a ela.
Disciplina de Novas Mídias, Dez. 2008.
Roteiro, Direção, Produção, Edição: Mariana Beltrame.
Co-produção, Atuação: Thiago Henrique.)
.

TROCADILO
(Curta pra disciplina TIDIR. Tema: Cultura e Liberdade.
Mariana Beltrame, Fidel Castro, Maria Angélica Augusto, Haendel Melo,
Daniel Lugão, Douglas Lamounier.)

Curtas 1º Semestre

2009-02-04T06:36:00.000-08:00

(em construção.)

Transcriação - 1º Semestre/2008

2009-01-27T04:55:00.000-08:00

Transcriação feita no 1º Semestre de 2008, com finalidades roteiristicas (quem sabe no futuro...). Inspirei-me no estilo Kafikiano, e ainda pretendo fazer dele uma animação tosca.

Saliva

"Em uma casa abandonada encontrava-se um homem de meia idade amarrado pelos membros ao chão, dormindo profundamente. Uma, daquelas bem cascudas, da qual me abstenho de dizer o nome, passeava próxima aos dedos de suas mãos que permaneciam dispostas ao chão. O vento bateu uma das abas abertas da janela e isso fez com que o homem robusto acordasse. Assustado, e sem nada entender, percebe o estado em que se encontra. Passa por alguns minutos de desespero tentando se soltar, mas o esforço é em vão. Por mais força que fizesse seu corpo continuava estirado e preso por completo ao chão. Estava muito bem amarrado, sabe-se lá por quem.

-- Que brincadeira de mau gosto é essa? – pergunta aos gritos, olhando ao redor, vazio.
Não reconhece nada além de seus pequenos companheiros . Ou companheiras. Estavam diante de seu corpo trêmulo, inteiramente domável, seus maiores medos. Os temores dos quais corria e agora, ironicamente, não haveria de fazer nada.

Seu choque inicial deu lugar a uma angústia inominável, uma repulsa ao que via que não lhe cabia no peito. Uma delas, a maior delas, foi crescendo diante de seus olhos. Enorme, despótica e viva! Caminhava com delicadeza. Aterrorizado, conseguia ver todas suas curvas ásperas que nunca antes pudera. Do que adiantaria gritar? Com que voz? Emudecera. Era a visão mais terrível que algo poderia lhe conceder. Era a pior tortura que poderiam lhe aplicar. A proximidade que se estabelecera com aquele ser lhe causara fraqueza.

E então, com a delicadeza e classe de uma rainha subindo a seu trono, escalou-lhe pelo rosto seis raquíticas patas. Num sacudir estonteante de cabeça, tentava desesperadamente livrar-se da visita inconveniente, mas o esforço de nada valera. Sentiu o pisar leve nos lábios secos e o ralhar das longas antenas no céu de sua boca. Dela só via o vulto. Sentia o cheiro azedo, fétido. Uma massa negra a observar o terreno abismal de seu ser. Ele, antes tão indiferente ao mundo rasteiro, sentia-se agora abaixo dele, muito abaixo dele...
Estava em transe, quase em desmaio, mas ainda pode sentir o ataque final. A pequena veterana seguida de seu coro asqueroso - aquele grupo bestial - iguais em gosto, cheiro e comportamento, invadiram-lhe tão pateticamente, juntas, os confins jamais pisados de seu interior medroso.

Adormeceu. Não se sabe ao certo por quanto tempo esteve desfalecido, mas logo sentiu baterem-lhe na cara. Abriu os olhos. Esteve sonhando? Ora, uma criança emburrada estapear-lhe a face.

-- Seu estúpido, não era pra comê-las. Ah, devolva-as, são minhas! – E o garoto catava uma por uma das que sobraram por ali, armazenando-as em uma caixa de papel. Em seguida virou-se para o homem e desamarrou-lhe as mãos, deixando os pés pra que ele mesmo o fizesse, e deu-lhe as costas batendo a porta do lugar desconhecido e sujo.

Um peso no estômago. Um gosto amargo. Sonhara? Era uma criança-demônio brincando de ser Deus."